Polska wydała niektórych z najbardziej niezwykłych artystów świata, od malarzy historycznych, którzy uchwycili kluczowe momenty narodu, po awangardowych rzeźbiarzy, którzy zrewolucjonizowali sztukę współczesną. Niezależnie od tego, czy odkrywasz polskie dziedzictwo, czy po prostu doceniasz niezwykłą sztukę, tych sześciu mistrzów reprezentuje rozpiętość i blask polskiej kreatywności na przestrzeni wieków.
Jan Matejko: Wizualny historyk Polski
Jan Matejko (1838-1893) jest najbardziej znanym polskim malarzem historycznym, tworzącym monumentalne płótna, które ożywiały polską historię w żywy, dramatyczny sposób. Pracując w epoce rozbiorów Polski — gdy kraj był podzielony między Rosję, Prusy i Austrię — obrazy Matejki służyły kluczowemu celowi narodowemu: przypominały Polakom o ich chwalebnej przeszłości i podtrzymywały nadzieję na przyszłą niepodległość.
Jego arcydzieło, „Bitwa pod Grunwaldem" (1878), jest jednym z największych obrazów w polskich zbiorach narodowych, mierzącym ponad cztery metry wysokości i prawie dziesięć metrów szerokości. To monumentalne dzieło przedstawia zwycięstwo z 1410 roku sprzymierzonych Korony Królestwa Polskiego i Wielkiego Księstwa Litewskiego nad zakonem krzyżackim. Centralny punkt obrazu pokazuje śmierć wielkiego mistrza Ulricha von Jungingen, podczas gdy wielki książę litewski Witold pojawia się ubrany na czerwono z uniesionym mieczem. Matejko genialnie połączył trzy kluczowe momenty bitwy w jedno spektakularne przedstawienie.
Znaczenie obrazu dla polskiej kultury poświadcza niezwykła historia wojenna: podczas II wojny światowej naziści oferowali nagrodę rozpoczynającą się od dwóch milionów marek i ostatecznie zwiększoną do dziesięciu milionów za informacje prowadzące do lokalizacji obrazu. Dziś „Bitwa pod Grunwaldem" jest wystawiana w Muzeum Narodowym w Warszawie, gdzie nadal inspiruje polską dumę narodową.
Inne słynne dzieła Matejki to „Rejtan", „Hołd pruski" oraz „Kopernik, Rozmowa z Bogiem". Jego obrazy łączyły skrupulatne badania historyczne z romantyczną dramatyzacją, tworząc dzieła, które były zarówno pouczające historycznie, jak i emocjonalnie mocne.
Jacek Malczewski: Mistrz polskiego symbolizmu
Jacek Malczewski (1854-1929) jest uważany za ojca polskiego symbolizmu i jedną z centralnych postaci patriotycznego ruchu Młodej Polski. Jego twórczość stanowiła pomost między XIX a XX wiekiem, przekształcając polską sztukę od realizmu historycznego do modernistycznego symbolizmu.
Obrazy Malczewskiego są natychmiast rozpoznawalne dzięki ich onirycznej jakości i powtarzającym się motywom: aniołom, istotom mitologicznym, polskim chłopom i wyszukanym autoportretom w kostiumach. Jego praca często wykazywała samokrytyczny humor, jednocześnie badając głębokie tematy śmierci, tożsamości narodowej i twórczości artystycznej. Wiele z jego około 2000 obrazów olejnych przedstawia samego artystę jako postać w symbolicznych narracjach.
Jego najsłynniejsze płótna to „Błędne koło" (1895-97), „Melancholia" (1890-1894) — uważana za jedno z jego największych i najbardziej błyskotliwych dzieł — „Natchnienie malarza" (1897) i „Wizja" (1912). Serie Thanatos i „Bajki" są również wysoko cenione.
W listopadzie 2022 roku obraz Malczewskiego z 1908 roku „Rzeczywistość" został sprzedany za 17 milionów złotych (3,6 miliona euro) na aukcji w Warszawie, ustanawiając nowy rekord najdroższego obrazu sprzedanego na polskim rynku sztuki. Ta sprzedaż potwierdziła trwałe znaczenie Malczewskiego i wysoki szacunek, jakim kolekcjonerzy darzą jego symboliczną, głęboko polską wizję artystyczną.
Zdzisław Beksiński: Wizjoner dystopijnego surrealizmu
Zdzisław Beksiński (1929-2005) stworzył jedne z najbardziej niepokojących, niezapomnianych obrazów w sztuce XX wieku. Pomimo braku formalnego wykształcenia artystycznego — był absolwentem architektury na Politechnice Krakowskiej — Beksiński rozwinął unikalny styl, który urzekł publiczność na całym świecie i wpłynął na wszystko, od okładek albumów po projektowanie filmów.
Pod koniec lat 60. Beksiński wszedł w to, co nazwał swoim „okresem fantastycznym", który trwał do połowy lat 80. To jego najbardziej znany okres, podczas którego tworzył niepokojące obrazy pokazujące ponure, koszmarowe środowiska ze szczegółowymi scenami śmierci, rozkładu, krajobrazów wypełnionych szkieletami, zdeformowanych postaci i pustyń. Malował to, co nazywał stylem „barokowym" lub „gotyckim", używając głównie farby olejnej na przygotowanych osobiście panelach z płyty pilśniowej.
Beksiński słynnie powiedział: „Chciałbym malować w taki sposób, jakbym fotografował sny". Słuchał muzyki klasycznej podczas pracy i stanowczo odmawiał nadawania tytułów swoim pracom lub wyjaśniania ich znaczenia. „Nawet ja nie wiem, co oznaczają moje obrazy" — mawiał, odrzucając wszelkie próby interpretacji. Pomimo ponurych tematów, Beksiński twierdził, że niektóre prace zostały źle zrozumiane i były właściwie optymistyczne, a nawet humorystyczne.
Jego obrazy przedstawiają postapokaliptyczne krajobrazy, umęczone postacie owinięte bandażami, tajemnicze struktury architektoniczne i istoty, które wydają się istnieć między życiem a śmiercią. Praca jest jednocześnie piękna i przerażająca, drobiazgowa i koszmarowa. Miasto Sanok w Polsce mieści muzeum poświęcone twórczości Beksińskiego, gdzie odwiedzający mogą doświadczyć pełnego zakresu jego dystopijnej wizji.
Tamara de Lempicka: Diwa art déco
Tamara de Lempicka (1898-1980) wniosła glamour, wyrafinowanie i bezkompromisową zmysłowość do ruchu art déco. Urodzona w Warszawie (zapisy ujawniły jej prawdziwe imię jako Tamara Rosa Hurwitz, choć przez długi czas była znana jako Tamara Rozalia Gurwik-Górska), stała się definiującą portrecistką epoki jazzu, malując arystokratów, celebrytów i zamożnych mecenasów w swoim charakterystycznym, wypolerowanym stylu.
Jej przełom nastąpił wraz z Międzynarodową Wystawą Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej w Paryżu w 1925 roku — wydarzeniem, które dało nazwę stylowi art déco. Praca Lempickiej łączyła późny, wyrafinowany kubizm z elementami neoklasycznymi, szczególnie inspirowanymi przez Jean-Dominique’a Ingresa. Studiowała w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu i w Académie de la Grande Chaumière w Paryżu z Maurice’em Denisem i André Lhotem, którzy znacząco wpłynęli na jej geometryczny, opływowy styl.
Najsłynniejsze dzieło Lempickiej, „Autoportret (Tamara w zielonym Bugatti)" (1929), zostało nazwane „Ikoną nowoczesnej kobiety". Obraz pokazuje artystkę za kierownicą swojego luksusowego samochodu, owiniętą w skórzany płaszcz do jazdy i szalik, z wyrazem chłodnej pewności siebie i niezależności. Ten obraz idealnie uchwycił ducha nowoczesnej, wyzwolonej kobiety lat 20. XX wieku i pozostaje ikoniczną reprezentacją tej epoki.
W lutym 2020 roku jej obraz „Portret Marjorie Ferry" (1932) został sprzedany za 16,3 miliona funtów (21,2 miliona dolarów) w Christie’s w Londynie, ustanawiając rekord dla dzieła Lempickiej. Jej obrazy znajdują się w głównych kolekcjach, w tym w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, Musée des Beaux-Arts de Nantes we Francji i National Museum of Women in the Arts w Waszyngtonie.
Magdalena Abakanowicz: Pionierka rzeźby z włókna
Magdalena Abakanowicz (1930-2017) zrewolucjonizowała rzeźbę, używając tkanin jako głównego medium, tworząc monumentalne dzieła, które zakwestionowały tradycyjne granice między rzemiosłem a sztuką piękną. Stała się jedną z najbardziej wpływowych polskich artystek powojennej epoki i liderką ruchu Nowego Gobelinu w Europie końca lat 60. XX wieku.
W 1964 roku krytyk sztuki ukuł termin „Abakany" od nazwiska artystki, aby opisać jej rewolucyjne trójwymiarowe prace z włókna, a Abakanowicz później przyjęła ten termin. W latach 60. i 70. tworzyła radykalne rzeźby z tkanego włókna — prace, które były miękkie zamiast twardych, niejednoznaczne i organiczne, wysokie dzieła wiszące z sufitu i pionierskie nowe formy sztuki instalacji.
Każdy Abakan został wykonany za pomocą własnej techniki tkania Abakanowicz z znalezionych materiałów. Często zbierała liny sizalowe z portów, splatała je w nici i barwiła, aby stworzyć swoje monumentalne formy. Abakanowicz stwierdziła, że dążyła do „całkowitej eliminacji utylitarnej funkcji gobelinu", przekształcając tradycyjną sztukę włókienniczą w potężne wypowiedzi rzeźbiarskie.
Później w swojej karierze Abakanowicz stworzyła niesamowite instalacje plenerowe bezgłowych, pustych ludzkich postaci odlewanych w brązie i jutze. Te anonimowe, tłumopodobne grupowania badały tematy indywidualności, anonimowości i kondycji ludzkiej. Jej praca była wystawiana na całym świecie i na stałe zainstalowana w przestrzeniach publicznych na całym świecie, od Chicago po Seul.
Stanisław Wyspiański: Wszechstronny geniusz Młodej Polski
Stanisław Wyspiański (1869-1907) był być może najbardziej wszechstronnym polskim artystą, wyróżniającym się jako malarz, dramaturg, poeta i projektant wnętrz, mebli i witraży. Był czołową postacią ruchu Młodej Polski, polskiego wariantu secesji, która rozkwitła na przełomie XX wieku.
Wyspiański z powodzeniem łączył trendy modernizmu z tematami polskiej tradycji ludowej i historii romantycznej. Jego obrazy, a zwłaszcza projekty witraży, ujawniają jego geniusz dla dramatycznej i wizjonerskiej kompozycji. Jego projekty witraży dla krakowskich kościołów, szczególnie kościoła franciszkanów, są uważane za arcydzieła polskiej secesji.
Jako dramaturg Wyspiański tworzył symboliczne dramaty narodowe, które miały ogromny wpływ kulturowy. „Wesele" (1901), jego największe i najpopularniejsze dzieło, miało premierę w 1901 roku i przekształciło go z umiarkowanie odnoszącego sukcesy artysty w narodowego dramatopisarza-wizjonera. Znaczenie sztuki w Polsce jest porównywalne do znaczenia Yeatsa w Irlandii. Reżyser Andrzej Wajda zaadaptował dzieło na uznany film w 1973 roku.
Filozofia artystyczna Wyspiańskiego koncentrowała się na tworzeniu wyjątkowo polskiej sztuki narodowej, która czerpała z tradycji ludowych, jednocześnie przyjmując nowoczesne europejskie ruchy artystyczne. Jego praca w wielu mediach — malarstwie, teatrze, projektowaniu — demonstrowała przekonanie Młodej Polski o jedności wszystkich sztuk i artyście jako całkowitym twórcy.
Gdzie zobaczyć polską sztukę w amerykańskich muzeach
Jeśli zainspirował Cię obejrzenie polskiej sztuki osobiście, kilka amerykańskich instytucji mieści znaczące kolekcje:
Polskie Muzeum Ameryki (Chicago, Illinois) - Założone w 1935 roku, jest to jedno z największych i najstarszych muzeów etnicznych w Stanach Zjednoczonych, z jedną z największych kolekcji polskich artefaktów i archiwów poza Polską. Kolekcja sztuki muzeum obejmuje obrazy i rzeźby najlepszych polskich artystów. Większość kolekcji podróżowała na Światową Wystawę w Nowym Jorku w 1939 roku, a po wrześniowej inwazji na Polskę w 1939 roku została zakupiona i zachowana przez Związek Polskich Rzymskich Katolików Ameryki.
Polsko-Amerykańskie Muzeum (Port Washington, Nowy Jork) - Założone w 1977 roku, muzeum prezentuje wystawy sztuki ludowej, kostiumów, artefaktów historycznych i obrazów.
Narodowe Muzeum Kobiet w Sztuce (Waszyngton) - Mieści prace Tamary de Lempickiej i innych polskich artystek.
Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork) - Zawiera prace Tamary de Lempickiej i czasami prezentuje polskich artystów w specjalnych wystawach.
Prace wielu polskich artystów są również coraz bardziej widoczne w kolekcjach europejskich głównych muzeów sztuki, a wystawa objazdowe regularnie przynoszą polskie arcydzieła amerykańskiej publiczności.
Książki o sztuce i galerie internetowe
Dla tych, którzy chcą dalej zgłębiać polską sztukę, dostępnych jest wiele zasobów:
Zasoby internetowe:
- Culture.pl - Kompleksowe anglojęzyczne źródło informacji o polskiej kulturze i sztuce
- WikiArt.org - Obszerne kolekcje prac Matejki, Malczewskiego, Beksińskiego, Wyspiańskiego i innych
- Google Arts & Culture - Zawiera obrazy polskich arcydzieł z głównych muzeów w wysokiej rozdzielczości
- Artvee.com - Polska sztuka w domenie publicznej dostępna do pobrania
Polecane książki:
- „Malarstwo polskie od oświecenia po współczesność" - Przegląd historii sztuki polskiej
- „Beksiński: Sztuka fantastyczna" - Kompleksowa kolekcja prac Beksińskiego
- „Tamara de Lempicka: A Life of Deco and Decadence" autorstwa Laury Claridge
- Katalogi muzealne z Muzeum Narodowego w Warszawie i Krakowie
Tradycja sztuki polskiej obejmuje znacznie więcej niż tych sześciu mistrzów — od średniowiecznego malarstwa ikon po współczesne instalacje, Polska konsekwentnie produkowała artystów o międzynarodowym znaczeniu. Te sześć postaci reprezentuje jednak wyraźne momenty w historii sztuki polskiej i demonstruje zakres polskich osiągnięć artystycznych: od historycznych eposów Matejki, które podtrzymywały tożsamość narodową podczas rozbiorów, przez symboliczne i dekoracyjne innowacje ruchu Młodej Polski, po międzynarodowy modernizm Lempickiej i rewolucyjną wizję Abakanowicz i Beksińskiego.
Polska sztuka, podobnie jak wycinanki (polskie wycinanie papieru) i polskie stroje ludowe, odzwierciedla złożoną historię narodu, głębokie korzenie kulturowe i niezwykłą zdolność do innowacji twórczych. Tak jak współczesne polskie kino zyskało międzynarodowe uznanie, polska sztuka wizualna nadal wpływa i inspiruje artystów oraz publiczność na całym świecie.
Bibliografia
- “Battle of Grunwald (Matejko),” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Battle_of_Grunwald_(Matejko)
- “Jacek Malczewski,” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Jacek_Malczewski
- “Zdzisław Beksiński,” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Zdzis%C5%82aw_Beksi%C5%84ski
- “Tamara de Lempicka,” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Tamara_de_Lempicka
- “Magdalena Abakanowicz,” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Magdalena_Abakanowicz
- “Stanisław Wyspiański,” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Stanis%C5%82aw_Wyspia%C5%84ski
- “Polish Museum of America,” Wikipedia, https://en.wikipedia.org/wiki/Polish_Museum_of_America
Tagged sztuka-polska, artyści, kultura, malarstwo